Euforia en la acera: Street Style outside Alexander Wang SS26

Por Andrés Valverde

Para: HYDROPONIC MAGAZINE

Hay una lección frecuente en las aulas de crítica cultural: la moda no es solo lo que se viste, sino lo que se hace visible. Afuera del desfile de Alexander Wang durante el New York Fashion Week de septiembre 2025, esa lección se convirtió en fenómeno. Lo que ocurrió en la acera —esa estrecha franja entre ciudad y pasarela— fue una clase magistral sobre identidad performativa, economía de la atención y la vitalidad impredecible de la moda contemporánea.

Cardi B and her daughter Kulture shot by fashion photographer Milton Fanfa @miltonfanfa

Con la cámara en ristre, lo que veía no era una mera congregación de well-dressed bystanders: era un ecosistema. Jóvenes con piezas deconstruidas que coqueteaban con la sastrería tradicional; estilismos streetwear elevados con accesorios de alta costura; siluetas andróginas que desterraban etiquetas; influencers que actuaban como curadores de tendencias en tiempo real; periodistas cuyo abrigo se leía como una declaración; y fans que coreaban nombres entre flashes. Todo ello articulado por una euforia que no obedecía únicamente al culto al diseñador, sino a la sensación colectiva de ser testigo de algo histórico y cercano al mismo tiempo.

Desde una perspectiva crítica, el fenómeno del street style fuera de Alexander Wang revela varias dinámicas que vale la pena desmenuzar:

1. La democratización performativa: Hoy el “look” es una forma de discurso público. La acera funciona como foro donde se negocia estatus cultural: la gente transforma prendas comunes en argumentos visuales que convocan atención, intercambio social y validación mediática. No es solo vestir bien; es poner en escena una posición social ante miles de ojos digitales.

2. Economía de la visibilidad: La moda de la acera alimenta y es alimentada por plataformas. Una fotografía viral aquí tiene la fuerza de una campaña: convierte a un desconocido en referente, un street vendor en trendsetter, y a una prenda anónima en un objeto de deseo global. Esa economía altera las reglas del poder simbólico: la pasarela ya no monopoliza el discurso; lo comparte con la calle.

3. Hibridación estética: La energía era híbrida: sneakers sporty junto a blazers arquitectónicos; tejidos técnicos con joyería barroca; estética skater remixada con cortes sartoriales. Esa mezcla no es casualidad: responde a una generación que rehúye los compartimentos estancos y celebra la colisión como método creativo.

4. Performatividad emocional: La euforia no solo venía de la moda per se, sino de la experiencia colectiva: la posibilidad de ser visto, fotografiado y, en cierto sentido, reconocido. Esta búsqueda de visibilidad explica el dramatismo de algunos atuendos y la teatralidad de las entradas y salidas. La moda, en ese contexto, es catarsis y estrategia.

Como editor, me interesa cómo estos momentos configuran narrativas más amplias: ¿hasta qué punto

el street style es una réplica auténtica de la vida urbana? ¿O es ya un formato, una cápsula preparada para el consumo de redes? La respuesta no es binaria. Lo auténtico y lo performativo conviven, se retroalimentan y generan nuevos símbolos.

Volviendo a la tarde frente a Alexander Wang: hubo instantes sencillos que lo decían todo. Un gesto de complicidad entre dos amigos que convertía una parka en bandera identitaria; una modelo rookie que, fuera del desfile, se ajustaba un guante como si ensayara su primera línea; un par de fotógrafos que, con risas cómplices, discutían la mejor luz. Esa mezcla de lo íntimo y lo público fue, para mí, la prueba de que la moda sigue siendo terreno de invenciones personales—y que la acera, más que nunca, dicta la simpatía estética del momento.

Termino con una constatación práctica: para quien trabaja documentando la moda hoy, la acera exige tanto criterio como la sala de prensa. Es ahí donde la sensibilidad editorial se revela —en elegir qué imagen contar, a quién seguir, qué gesto eternizar— y donde la responsabilidad se vuelve ética: representar con precisión el pulso de una comunidad sin reducirla a mero tropo.

La euforia frente a Alexander Wang no fue solo un estallido visual; fue un diagnóstico parcial y certero de nuestra época: hiperconectada, plural, híbrida y ansiosa por narrarse. Y, como siempre, la moda nos lo dijo en silencio y en voz alta, a través de la tela y de los cuerpos que la habitaron.

ENGLISH

The Euphoria on the Curb: Street Style outside Alexander Wang SS26

There is a lesson often taught in cultural criticism classrooms: fashion is not merely what we wear, but what we make visible. Outside the Alexander Wang show during New York Fashion Week, September 2025, that lesson materialized. What unfolded on the curb —that narrow strip between city and runway— became a masterclass in performative identity, attention economies, and the unpredictable vitality of contemporary style.

Cardi B shot by fashion photographer Milton Fanfa @miltonfanfa

With my camera raised, I did not see a simple congregation of well-dressed bystanders. I saw an ecosystem. Young people wearing deconstructed pieces flirted with traditional tailoring; elevated streetwear met high-fashion accoutrements; androgynous silhouettes displaced old labels; influencers operated as live trend curators; journalists wore coats that read like manifestos; and fans chanted names between flashes. All of it was animated by a euphoria that extended beyond reverence for a single designer—it was the collective sensation of witnessing something immediate and, in a way, historic.

From a critical vantage point, the street-style moment outside Alexander Wang reveals several dynamics worth unpacking:

1. Performative democratization. Today a look functions as public discourse. The curb operates as a forum where cultural status is negotiated: people transform ordinary garments into visual arguments that claim attention, social exchange, and media validation. It’s not only about dressing well; it’s about staging a position before thousands of digital eyes.

2. The economy of visibility. Curb fashion feeds and is fed by platforms. A viral photograph now has the reach of a campaign: it can turn a nobody into a reference, a vendor’s piece into a must-have, and a passerby into an icon. This economy reshapes symbolic power—the runway no longer monopolizes the narrative; it shares it with the street.

3. Aesthetic hybridization. The energy was hybrid: sporty sneakers beside architectural blazers; technical fabrics paired with baroque jewelry; skater sensibility remixed with sartorial cuts. This collision is deliberate, reflecting a generation that rejects strict categories and uses juxtaposition as a creative method.

4. Emotional performativity. The euphoria was not simply about clothes, but about collective experience: the chance to be seen, photographed, and recognized. This hunger for visibility explains the theatricality of some outfits and the drama of entrances and exits. In this register, fashion functions as both catharsis and strategy.

On the sidewalk outside Alexander Wang there were small, decisive moments that revealed everything: two friends sharing a conspiratorial grin turned a parka into a flag; a rookie model, offstage, adjusted a glove as if rehearsing her opening line; two photographers, laughing, debated the best light. That blend of intimacy and spectacle convinced me that fashion remains a terrain for personal invention—and that the curb, more than ever, adjudicates the aesthetic sympathies of the moment.

As an editor trained in cultural analysis, I am interested in how these moments shape broader narratives: to what extent is street style an authentic reflection of urban life, and to what extent has it become a format—prepared for consumption by networks? The answer is not binary: authenticity and performance coexist, feed each other, and yield new symbols.

Photo credits and a small story

The photographs that accompany this piece were made by me, Andrés Valverde, during the curb coverage. There is one notable exception: the photograph of Cardi B was taken by Portuguese photographer Milton Fanfa, whom we met during NYFW. It was an almost cinematic moment—Cardi B arrived just as my flash battery died and I could only record the scene on my phone. Milton, who was with us that day, captured the moment on his professional camera and we decided to collaborate to include his shot in this story. That small act of collaboration sums up the spirit of the day: shared labor, mutual support, and the humility to acknowledge that the best image sometimes comes from someone else’s frame.

Cardi B shot by fashion photographer Milton Fanfa @miltonfanfa

Practical and ethical note

For those of us documenting fashion today, the sidewalk demands as much editorial judgment as the press room. The curator’s eye shows up not only in what you shoot, but in whom you follow, which gesture you choose to frame, and which image you decide to immortalize. There is an ethical dimension too: representing a community accurately without reducing it to a trope.

The euphoria outside Alexander Wang was not merely a visual outburst; it was a partial, precise diagnosis of our times: hyperconnected, plural, hybrid, and hungry for narrative. Fashion told us this—softly and loudly—through fabric and flesh, through gestures both staged and sincere. If the curb is fashion’s most democratic auditorium, what it staged that afternoon was both a manifesto and a mirror: noisy, fleeting, and utterly revealing.